Side Effects de Steven Soderbergh (2013)

Efectos Colaterales se presume es la última película del director Steven Soderbergh, al menos para cine (guarda todavía en la manga una película sobre Liberace para televisión). Soderbergh, quien saltara a la fama en el ya lejano año 1989 con Sexo, mentiras y video, se consagró pronto como un autor dentro de la maquinaria hollywoodense, alguien con la capacidad de mantener una fuerte impronta personal al mismo tiempo que desarrollaba una exitosa carrera comercial. De esta manera es que sus filmes más personales- por llamarlos de alguna manera- como son Out of Sight, The Limey, el díptico sobre el Che Guevara, la más reciente The Girlfriend Experience se intercalan con películas con alcance más amplio con son la oscarizada Erin Brockovich, la saga de Ocean´s Eleven o Haywire. Soderbergh ha declarado en recientes entrevistas que no cree que pueda ya filmar como antes y que la industria lo condena a expresarse cada vez menos lo que lo ha llevado a un agotamiento y de allí su retiro. Efectos colaterales no hace más que darle la razón por completo.
La historia comienza bien y desde una perspectiva novedosa. Emily (Rooney Mara) es una mujer que está por recibir de nuevo en casa a su marido Martin (Channing Tatum) luego de que pasase un tiempo en prisión por tráfico de influencias. La presión y el stress comienzan a hundirla en un pozo depresivo, lo que la lleva a una suerte de intento de suicidio y a terminar en el consultorio del doctor Jon Banks (Jude Law), quien comenzará a tratarla con una gama de psicofármacos con distintos resultados. Los efectos colaterales del título son los que llevarán a Emily- en un momento que no es dueña de sí misma- a cometer un crimen.
Con esta premisa servida y un cuidado desarrollo de los personajes- donde ninguno es blanco o negro, Martin es un esposo amoroso pero continúa vinculado en negocios con los mismos personajes que lo terminaron por llevar a la cárcel, el Dr. Banks parece ser un atento profesional pero no tiene problemas en prestarse a validar medicamentos para empresas farmacéuticas por grandes sumas de dinero- Soderbergh presenta e introduce un drama con un análisis de la ética profesional de los médicos y una critica sobre la inserción invasiva de los psicofármacos en la sociedad moderna y la responsabilidad tanto de psiquiatras como de las empresas en lo que ocasionan. Todo esto además, narrado con soltura- con la tradicional elegancia con la que filma el director, aunque con cierta distancia de sus personajes, casi como con mirada de documental- y eficiencia.
El problema llega cuando la película se acuerda que es una de Hollywood y que hay que traer a colación los giros inesperados, las vueltas de tuerca, los absurdos flashbacks que resignifican todo lo que hemos visto. Y así entra de sopetón un thriller de conspiraciones tramposo, inverosímil, barato, donde cuando se explica todo no se sostiene por ningún lado y donde aquellos personajes tan bien delimitados (apoyados además en buenas actuaciones en la mayoría de los casos, como son Mara y Law) ya no tienen el menor sentido para lo que se está contando. Y por encima de todo, nos olvidamos de cualquier crítica a un sistema tan enfermo que sobremedica a la primera de cambio y nos centramos en la acción individual de un criminal puntual, de una estafa puntual, de un caso puntual, lo que en cierta medida disculpa al aparato todo por las posibles fallas que se ocasionan.
Pareciera que las dos carreras de Soderbergh, la artística y la comercial, se vincularan a la fuerza en Efectos Colaterales en pleno perjuicio de la primera. Capaz entonces, ante el que es sin dudas uno de sus peores filmes, el retiro a Soderbergh le llegó un poco tarde. 1. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 1

Gastón:

Martín:

Mauro:

Rodrigo:

Cosmopolis de David Cronenberg (2012)

Sólo algunos directores pueden ostentar el título de autor a la altura del canadiense David Cronenberg, en particular por su relación- al menos hasta mediados de la década del 2000- con lo fantástico, lo extraño como concepto y la mirada visceral que transmite. Puestos a encontrarle iguales, probablemente- ambos a su estilo- sólo David Lynch o Peter Greenaway han recorrido con tal coherencia una carrera cinematográfica que abarca ya más de 50 años, con mojones fundamentales para el cine en el caso de Cronenberg- tanto de género como el otro- como son Scanners (1981), La Mosca (1986) o El almuerzo desnudo (1991).
Un Cronenberg más “moderno” (por decir algo) es el que se presenta en 2005 con Una historia violenta, la primera de la que sería su trilogía junto al actor Viggo Mortensen, complementada luego con Promesas del Este (2007) y Un método peligroso (2011). Para sorpresa de sus fans, Cronenberg se despojaba de la sensación de extrañeza que suele transmitir en sus películas, para apostar a dos narraciones en clave de sobrio policial negro (con matices, ya que el uso de la violencia es siempre exagerado, lindero con el gore) y el drama psicológico histórico. Este camino optado por el canadiense llevó a que algunos de sus fans mas cerrados clamaran por un regreso a su viejo estilo o que incluso lo trataran de “traidor”.
Esta Cosmopolis- adaptación bastante fiel de la novela homónima de Don Delillo- es una posible respuesta del director a esas voces airadas. Está narrativamente hermana a obras anteriores de Cronenberg- en particular a su adaptación de Crash sobre novela de J.G. Ballard, quizá uno de sus trabajos menos logrados- y destaca por encima de todo su relato diferente, alejado por completo de la estructura clásica aristotélica del inicio-desarrollo-final. En cierta medida, este filme viene para continuar una manera de narrar que está diciendo presente en Hollywood con insistencia en un periodo reciente, ya que tanto Django sin cadenas de Quentin Tarantino como The Master de Paul Thomas Anderson eran, cada una a su manera, narraciones no clásicas.
Probablemente esa aura ballardiana- quien sino Cronenberg es el candidato ideal de trasladar cualquier obra del británico al cine- es lo que sobrevuela todo el tiempo en esta historia al parecer simple: Eric Packer (Robert Pattinson) es un empresario (cuyo cargo o trabajo exacto nunca es del todo explicitado pero sin duda es alguien poderosísimo) que un día cualquiera decide cruzar New York de punta a punta con el único objetivo de ir  a cortarse el pelo. Nosotros espectadores acompañaremos en este día común a Packer, veremos las múltiples interactuaciones que va realizando a lo largo del día (el viaje se torna eterno, por problemas de tránsito, las paradas del propio protagonista y un súbito clamor popular con ribetes apocalípticos que llena la calle) en su limusina, donde alternan tanto socios de la empresa, como asesores, como amantes.
La apuesta de Cronenberg no es sencilla y pide al espectador promedio muchísima más atención de lo que el cine actual suele hacer (algo que no es negativo en lo absoluto). Los diálogos aparentan ser inconducentes en su mayoría y queda en uno lograr vincular todo lo que los personajes hablan con aquello que pasa fuera de ese microuniverso que es la limusina de Packer (que por momentos es tan futurista que casi parece escapada de un filme de Ciencia Ficción). Esto recrudece aún más en su tramo final, cuando en las últimas escenas los diálogos ya versan de cualquier cosa no relacionada a lo que veníamos viendo y llegamos al final en un momento que sería tan bueno como cualquier otro. Queda la duda de si la narración no escapó de las manos de Cronenberg en esta recta final o si directamente el director optó por cerrar de la manera más narrativamente atípica posible.
El reparto hace su parte, sin dudas. Pattinson- apuesta que despertaba muchas dudas, al menos en quien suscribe- está por demás solvente, abandonando de a poco y con convicción la apatía original del personaje y dando una gran entrega física sobre el final. El resto del elenco es meramente secundario- la gran mayoría tiene apenas una escena- pero hay igual buenos aportes de Kevin Durand, Juliette Binoche, Samantha Morton, Justin Long y especialmente Paul Giamatti para cerrar.
No es el mejor filme de Cronenberg y probablemente se inscriba en el material imprescindible solo para sus fanáticos. De todos modos, y cómo suele tratarse con cualquier trabajo de este director, es siempre una creación interesante de ver. 2. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 2

Gastón:

Martín:

Mauro:

Rodrigo:

Evil Dead de Fede Alvarez (2013)

De todos los géneros cinematográficos probablemente sea el horror aquel que mayor cantidad de subgéneros ha parido. De zombies, de vampiros, de hombres lobo, slashers, de documental encontrado, de monstruos, de exorcismos, etc., etc., etc. Y justamente un subgénero se consolidó con la Posesión Infernal original (Sam Raimi, 1981): el de la cabaña en el bosque. Con una premisa más sencilla en comparación a los otros- un grupo de personas queda aislada en una cabaña en un bosque a merced de un mal innominable- no ha sido tan frecuentemente transitado, pero aún así no faltan los ejemplos (en especial las copias de la película original y sus continuaciones a lo largo de la década del 80 y más recientemente hay por lo menos dos ejemplos dignos de mención: Cabin Fever de Eli Roth en el 2002- justo antes de que Roth consolidara con Hostel su propio subgénero de horror: el torture porn- y la gloriosa The Cabin in the Woods de Drew Goddard en 2011) de su transitar durante las últimas tres décadas.
La premisa es aquí tan sencilla como siempre. Un grupo de jóvenes viajan a una cabaña apartada -en esta ocasión se trata de una muchacha adicta a las drogas que junto a su hermano y unos amigos tratará de desintoxicarse en ese lugar apartado- uno de ellos comete el error de leer el “Libro de los muertos” (que es pasos más acá, pasos más allá, una encarnación del Necronomicón de Howard Phillip Lovecraft) y pronto, surgen demonios que irán poseyendo a los jóvenes uno a uno. Cualquiera que vaya a ver Posesión Infernal sabe lo que le espera (el propio tráiler ya despejaba cualquier tipo de duda) y en ese aspecto no encontrará mayores sorpresas. La versión actual de Álvarez respeta plenamente a la original e incluso a sus secuelas y se permite incluir numerosos homenajes a aquellas (la motosierra, el Chevy, el plano subjetivo que corre entre los árboles, etc.) pero no sólo se acerca a ellas con notorio amor y respeto, sino que Álvarez (junto a su coguionista Rodolfo Sayagues) apuestan por crear su propia mitología a partir de la historia, algo que queda por demás claro ya desde la estupenda escena de apertura (que incluye además otro homenaje al cine de Sam Raimi, en este caso a su más reciente Arrástrame al Infierno).
Esta mezcla de respeto y personalidad propia es lo que hace de Posesión Infernal un buen remake y una buena película. Porque por encima de todo, asusta. Filmada con mucha inteligencia- se aprovechan locaciones reducidas al máximo- una gran banda sonora del español Roque Baños y unos efectos especiales espeluznantes (lo que volvía involuntariamente risible la película original- unos efectos espantosos- acá propone más de un momento donde hasta el más veterano espectador de cine de horror tiene que entornar los ojos) Posesión Infernal desarrolla una hora y media de buen cine de género, convincente y efectivo, que no cae nunca en la parodia sino que por el contrario, se toma ciertamente en serio aquello que está contando (aunque incluye, esos sí, un par de momentos de humor negrísimo que suelen involucrar elementos cortantes). Para esto, dedica un buen tiempo del metraje a la construcción de sus personajes- condición inevitable para lograr luego que nos importe su suerte- dedicándole especial atención a los dos hermanos y su tormentosa relación. De la mano de esto último cabe indicar que el joven elenco de caras desconocidas que protagoniza la película cumple más que decentemente con su trabajo (en particular Lou Taylor Pucci en el rol de Eric, el desafortunado responsable de liberar los demonios).
Más allá de que se trate de una película escrita y dirigida por uruguayos en Hollywood, lo que sin duda despertará mucho más interés local del que despertaría un remake de una película de horror normalmente, es un buen primer largometraje en todo sentido. Cabe aclarar si que es esencialmente una película de género, salvajemente sangrienta además, por lo cual no amantes del horror deberían abstenerse. Por el contrario, para aquellos que disfrutamos de horrores inmencionables, demonios desatados y masacres horribles, cumple en toda regla y es extremadamente recomendable. Sólido 3. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 3

Gastón:

Martín:

Mauro:

Rodrigo:

The Evil Dead de Sam Raimi (1981)

Está considerado un clásico del cine del terror, y decidí volver a verla, después de unos 20 años, para "prepararme" para el estreno del remake dirigido y guionado por el uruguayo Fede Alvarez. Y me encontré con uno de los grandes misterios del cine: ¿cómo es posible que una película tan mediocre se haya convertido en una película de culto, con secuelas e incluso videogames y otras chucherías? Es una suerte de película de terror, gore y a su vez de comedia, pero siempre con la sensación de que el director no sabía qué hacer. Y le erra constantemente, en cualquiera de estos sentidos. Incluso en las escenas "neutras". Por favor, miren la escena en la que Bruce le regala la cadenita a su novia. Ni siquiera en la película romántica más pedorra podrán recrear algo igual. Después de ver esa escena, se hace difícil esperar algo bueno. En definitiva, una película insoportable, y para rematarla, esos "stop motion" re truchos del final, potencian el "¿qué carajos estoy viendo?". Ojo, así como le doy palo, admito que cuando la ví por primera vez, comiendo pastillas o chocolates en el cine de Flores, la historia funcionaba de maravillas.
Al final, todo indica que el protagonista muere, pero en la segunda parte, aparece vivito y coleando, sin dar explicaciones. Eso es muy de los 80's. Me encantaría saber qué opina Annie Wilkes al respecto... Igualmente iré hoy o mañana al cine, a ver cómo hace Fede Alvarez para salvarla. El trailer es muy prometedor (afortunadamente se aleja de la comedia y de lo absurdo), y después de lo que hizo con los robots, con un presupuesto mínimo, le tengo fe. ¡Gran desafío le tocó para debutar en Hollywood!. 2 puntos. Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito: 1

Gastón:

Martín:

Mauro: 2

Rodrigo:

La Femme Du Vème de Pawel Pawlikowski (2011)

Comentario: La clásica historia del escritor que llega a la gran ciudad e intenta rehacer su vida, después de un pasado oscuro (del que no entran en detalles). A su alrededor empiezan a suceder cosas raras, con asesinatos incluidos e historias de amor poco probables. El final, obviamente es predecible, vimos esta película del escritor que se lo imagina todo unas 20 veces. Una pena que actores del nivel de Ethan Hawke y Kristin Scott Thomas se hayan prestado para hacer esto. 2 puntos. Por Mauro.

Nota: El título internacional es The Woman In The Fifth.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Leo: 2

Martín:

Mauro: 2

Rodrigo:

Frenzy de Alfred Hitchcock (1972)

Esta es la penúltima película de Hitchocock, considerada como su última gran película. Algunos dicen que acá se resumen todos los elementos que lo han caracterizado (yo digo que solo se resumen algunos). Filmada en 1972, me atrevo a decir que tiene cosas muy subidas de tono para la época: violaciones, culos flotantes en el Thames y primerísimos planos a tetas. Imponente banda de sonido (de las pocas verdaderamente recordables de Hitchcock), un gran homenaje a Londres y sus calles, personajes creíbles, y una trama realmente interesante (aunque no plantea grandes sorpresas). La pongo entre las cinco mejores películas de Hitchcock. Pd: Alfred, hasta sus últimos días, siguió obsesionado con las muertes por estrangulación. Puntaje: 4. Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Mauro: 4

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 4.00

The Birds de Alfred Hitchcock (1963)

Filmada en 1963 (luego de Psicosis), unas de las cosas que más sorprenden de esta película, son los efectos especiales (y Alfred ganó un Oscar por ellos). Recuerdo haberla visto cuando era un niño, y me generó pánico (quizá de ahí viene mi fobia a las aves). La novela en la que se basa esta película, fue uno de los primeros libros que me compré en la vida, cuando tendría alrededor de 11 o 12 años. La historia es conocida y sin fundamentos: los pajaritos de un día para el otro, se ponen malos y atacan (excepto en ese pésimo y truncado final). Vale la pena ver los detrás de cámaras, enterarse de que Hitchcock no pudo terminarla como estaba previsto (por un tema de costos), y ver la infinidad de jaulas con pájaros que tenían en el set, y las incontables aves mecánicas (algunas de las cuales lastimaron a Tippi Hedren, quien tuvo notables cambios de discurso respecto a su relación con Hitchcock... y Hollywood obviamente le sacó jugo a eso). Puntaje: 4. Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Mauro: 4

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 4.00

Strangers On A Train de Alfred Hitchcock (1951)

Desconocía que esta película de Hitchcock, de 1951 y basada en una novela de Patricia Highsmith, estaba considerada como una de sus mejores películas. La historia es muy interesante e inteligente, con buen ritmo, y el personaje de Robert Walker, es hasta ahora, el mejor logrado de Hitchcock. Gran actuación, y su mejor psicópata, aún mejor que lo que hizo Anthony Perkins con Norman Bates. Otro gran logro de la película: las escenas en el parque de diversiones. De los mejores momentos que me regaló Hitchcock. Y siendo del 51, me dejó bastante asombrado el final. Efectos especiales muy bien logrados, y sumamente creíbles. Puntuación: 4. Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Mauro: 4

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 4.00

Marnie de Alfred Hitchcock (1964)


Regresa Tippi Hedren, la que sufrió golpes, abusos y picaduras en los pájaros, y acá se convierte en una suerte de objeto sexual. Marnie es probablemente el mejor personaje femenino de Hitchcock, a mitad de camino entre villana y heroína. Correcta y entretenida película de suspenso, pero sin grandes sorpresas. Sean Connery está muy muy bien. Puntuación: 3. Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Mauro: 3

Rodrigo:

Lifeboat de Alfred Hitchcock (1944)

Para la época, debió haber sido un gran desafío filmar una película así, que transcurre 100% en el medio del Atlántico. Obviamente ninguno de los actores se mojó con agua salada, y la luz de estudio es notoria en toda la película... pero hay momentos muy bien logrados. Pero todo eso, en función de una trama nada interesante, y sin misterios. Inquieta un poco ver a todos metidos en el bote, mugrientos, mojados y destruidos, mientras que la actriz principal siempre está maquillada, perfectamente peinada, de tacos y vestidos, como si estuviese a punto de entrar a una fiesta. 2 puntos.  Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito: 5

Gastón:

Martín:

Mauro: 2

Rodrigo:

The Walking Dead (Serie) (Season 2) de Frank Darabont (2011)

La segunda temporada de "The Walking Dead" levanta de lo lindo con respecto a la primera. He de reconocer que no había quedado con ganas de una segunda temporada, no porque fuera mala la primera, porque no lo es, si no porque no me dejo tan enganchado para seguir viendo la serie y la había dejado abandonada. Hasta que un amigo me dijo "mira la segunda temporada que levanta y mucho haceme caso" y tenía toda la razón. Así que aquellos que les paso lo mismo que a mí, denle una segunda oportunidad a The Walking Dead no se van arrepentir. Bien, en ésta segunda temporada las relaciones entre los personajes se tratan mejor se hacen más intensas, aparecen nuevos personajes unos aportan mucho otros no tanto. Se mejora en la historia notablemente al punto que uno termina de ver un capítulo y no quiere esperar a ver el otro. Los efectos especiales así como la musicalización mejoran mucho con respecto a la temporada anterior. Con un final muy bueno esta segunda temporada nos deja con ganas de ver la tercero, efecto que no ocurre entre la primera y la segunda. No quiero decir mucho más porque temo terminar spoileando la cosa (dícese del verbo spoiler: quemar todo). Un 5. Por Federico.

Puntajes:

Federico: 5

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Mauro:

Rodrigo:

Shadow Of A Doubt de Alfred Hitchcock (1943)

En diversos medios, Hitchcock declaró que ésta es su mejor película. Es de 1943, y es la primer película de Hitchcock que tiene verdaderas escenas exteriores. Dicen que a Hitchcock le encantaba por su temática: la de un pueblo chico al que llega una amenaza (en este caso, el regreso del tío adorable, con un pasado oscuro y con algunos asesinatos en su haber). Es una gran película de suspenso y "terror" psicológico, con personajes muy bien creados, y una familia MUY bizarra, que es el mayor disfrute de la película. Seguramente de acá sacaron algunas ideas Tim Burton o Wes Anderson. Es también la primer película de Hitchcock en la que los niños tienen un papel casi protagónico, y esa nena que ve el mundo a través de los libros, y ese niño que ve el mundo a través de las matemáticas, son verdaderamente una maravilla. Como importante complemento de la película, recomiendo ver el documental "Beyond Doubt: The Making of Hitchcock's Favorite Film". Por Mauro.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Mauro: 4

Rodrigo:

The Breed de Nicholas Mastandrea (2006)

¿Remake? o reversión de la setentera "The Pack", nuevamente con una isla aislada donde un montón de perros se han tornado salvajes. A diferencia de la otra (y que sí, es mucho mejor que esta) acá los perros parecen haber sido alterados genéticamente y hacen cosas poco de animal y bastante de calculadora máquina asesina. Pero el gran problema acá no son los chuchos, sino que lo es un ínsipido elenco (con Michelle Rodríguez como única cara conocida, imaginénse), un pésimo guión y un final por demás predecible. Un 1, sí, adivinaron. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 1

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Corman's World: Exploits Of A Hollywood Rebel de Alex Stapleton (2011)

Maravilloso documental que registra las 5 décadas de Roger Corman como productor y director de cine. El Maestro de la Clase B da lecciones de cinematografía al mismo tiempo que despierta sentimientos en todos aquellos que apadrinó (lista que es inmensa, Coppola, Scorsese, De Palma, Joe Dante, Peter Bogdanobich, etc., etc.) y que no sólo funciona como registro de su trabajo, sino también como una manera de ver cómo el cine (y la industria) han cambiado a lo largo del tiempo. Muy entretenido y emotivo (imposible no conmoverse con la participación de Jack Nicholson) califica como imprescindible. 5. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 5

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Grabbers de Jon Wright (2012)

Una película de monstruos a la usanza de "Tremors" que nos ubica en Irlanda, cuando una suerte de octópodos vampiros del espacio cae al mar y sólo existe una muy peculiar manera de no ser sus víctimas. Humor muy británico y momentos de genuino horror se combinan con mucho acierto, de la mano de un buen elenco donde destacan los protagonicos de Richard Coyle y Ruth Bradley. Otro 4 conseguido a pura efectividad. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

The Return Of The Living Dead de Dan O'Bannon (1985)

A mediados de los 80s esta película significó toda una reimaginería del concepto zombie: los zombies corrían, existían en un mundo donde había películas de zombies, no morían de la manera habitual, etc. No tuvo el impacto que sí tuvo el remake de "Dawn of the Dead" de Zack Snyder, pero si le dio para disparar una serie de secuelas (de las que ignoro su posible valor). En este caso particular, se trata de una mirada fresca, divertida y aterrorizante al concepto zombie, con la consabida participación del ejército, el grupete de secundarios (entre los que destaca Linnea Quigley con un strip tease que madre mía) y la muy válida sensación (tan cara a las películas de zombies) de que el fin del mundo llegó y a cagar con todo. Alcanza el 4, señores. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Critters 3 de Kristine Peterson (1991)

La acción abandona el habitual pueblito perdido del medioeste estadounidense para trasladarse a Los Angeles, donde las bolas peludas y con dientes asolan un edificio en decadencia. Y en decadencia cae la misma saga, ya que no hay rendimiento ni en humor ni en terror. Los Critters se asemejan más que nunca a sus primos mayores los Gremlins con poco acierto. Quedamos en un 2 y no creo que vea la cuarta y última entrega de la saga, la verdad. Ah, encontrar a un jovencísimo Leonardo Di Caprio en el elenco no deja de ser simpático. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 2

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Paul de Greg Mottola (2011)

Dos nerds británicos (Simon Pegg y Nick Frost con su habitual química) en ruta por EEUU se terminan topando por un peculiar alien en fuga (cuya voz la aporta un inspirado Seth Rogen) al que ayudan en su escape. Humor para entendidos con su metalenguaje cienciaficcionero (no dejan película por homenajear) que a pesar de ciertas aristas pavas, termina por rendir. Un divertimento menor, pero efectivo. 3. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 3

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Ripper Street (Serie) (Season 1) de Richard Warlow (2012)

La primicia de “Ripper Street” es sumamente interesante: el año es 1889 y el lugar es Whitechapel, barrio famoso hasta nuestros días por los horribles crímenes cometidos por Jack El Destripador, crímenes que siguen poniendo de cabeza a las autoridades aún hoy, imagínense a aquellos policías que los investigaron infructuosamente. Su credibilidad, su capacidad toda, ha sido puesta en tela de juicio y los habitantes del lugar (que para colmo es un pozo de crimen, corrupción, muerte y prostitución) no se fían en lo absoluto de las fuerzas de la Ley y el Orden. De esto va esta producción de BBC América (subsidiara de la BBC tradicional, que ya diera una de las mejores series del año pasado con “Copper”) de cómo una desacreditada policía enfrenta casos en su día a día. Los protagonistas de la serie son tres: el Inspector Edward Reid (Matthew Macfayden), un hombre racional, culto, pero al que no le es ajena la violencia; el sargento Bennett Drake (Jerome Flynn, un actor con muchísimos fans ya que interpreta al popular Bronn en “Game of Thrones”) un recto, duro y recio oficial y el Capitán Homer Jackson (Adam Rothemberg) un estadounidense veterano de la Guerra de Secesión que carga con un terrible secreto. No sólo ellos, sino que la barriada toda, son los protagonistas de esta estupenda serie, que es además un fresco de una época, convulsionada y violenta. Su primera temporada cierra con un sólido 4 y me ha comprado como espectador para el año próximo. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Resident Evil: Retribution de Paul W.S. Anderson (2012)

A ver ¿Es la quinta parte ya? Yo ya he perdido la cuenta. Y si mencionamos que salvo la primera y original el resto van entre malas, pésimas o con suerte olvidables, no estamos ante una franquicia que sea muy digna de mención. Esta entrega, por lo menos, califica como olvidable, ya que tiene algún momento digno, algún secundario (bajo un ardid argumental se traen de regreso casi todos los personajes que habían aparecido antes, inclusive los muertos) y un pasar digamos entretenido. No alcanza para llegar al aceptable (cuenta también con su final abierto en pos de una secuela, como no) pero queda en un 2 pasarrato dependiendo del humor del espectador. Por Fito.

Puntajes:

Federico: 1

Fito: 2

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

The Eagle de Kevin MacDonald (2011)

La recontramanida historia de la novena legión romana perdida ha alimentado muchos filmes (me viene a la memoria la recomendable "Centurion" de Neil Marshall) y aquí se retoma esta misma historia algunos años más tarde, con el hijo del Centurion que comandara la legión perdida (que documentos revelados en los 70s demuestran que de perdida nada, ya que se sabe se desbandó años más tarde en el Oriente) tratando de recuperar el águila de la legión y con ella, el honor de su familia. El hijo en cuestión es interpretado por el ascendente Channing Tatum (que, reconozco, me desconcierta ya que a veces cumple y a veces es más duro que una piedra) que acompañado por un esclavo (el siempre rendidor, este si, Jamie Bell) se interna en terreno picto. Entretenida por momentos tiene sin embargo uno de los finales más estrepitosamente malos que me ha tocado ver en tiempo. Hay algo de química entre sus protagonistas y algún momento, lo que la dejan en un muy apenas 2. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 2

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Le Moine de Dominik Moll (2011)


Historia ambientada en Madrid a mediados del siglo XVI. Un bebé con una extraña marca en el hombro es dejado a las puertas de un monasterio. Ese bebé crece para convertirse en un monje muy importante en su comunidad, muy versado y con vastos conocimientos. El tipo de personalidad y carisma que despierta admiración, deseos, envidias y celos… y si hay algo que Satanás sabe es cómo tentar al hombre. En clave de drama, misterio y algún toque de suspenso, se cuenta una historia muy pareja que descansa plácidamente en los vastos, vastos hombros del gran Vincent Cassell, con el apoyo de Déborah François, Joséphine Japy, Sergi López y una gran participación de Geraldine Chaplin. 4 puntos. Por Rodrigo.

Nota: El título internacional es The Monk.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Welcome To Collinwood de Anthony Russo & Joe Russo (2002)


Un ladronzuelo de poca monta recibe información que le puede permitir dar el golpe perfecto, el robo soñado. Pero el amigo Cosimo, sigue guardado en el bote, por lo que necesita que su mujer, Rosalind, consiga a un bobo que suplante a Cosimo y cumpla el tiempo por él a cambio de una parte del botín, claro está. Simpática comedia, con mucho de crook story, bien llevada y mejor actuada por un gran reparto que incluye a William H. Macy, Isaiah Washington, Sam Rockwell, Michael Jeter, Luis Guzmán, Patricia Clarkson y George Clooney. Sólido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

Whip It de Drew Barrymore (2009)


Si, ahora Drew Barrymore dirige también. Una especie de comedia, drama, deportiva con Ellen Page, Marcia Gay Harden, Jimmy Fallon, Daniel Stern, Zoe Bell, Kristen Wiig, Andrew Wilson, Juliette Lewis y la propia Drew Barrymore. Por un lado se plantea el tema de la situación familiar de Page y sobre todo Marcia Gay Harden, y por otro, el amor que el personaje protagónico descubre por un deporte gringo llamado Women's Roller Derby, que tiene que ver con un circuito, patines y en fin, esas cosas extrañas que los gringo inventan. Mucho aire  "Juno" aunque con mucho menos comedia, y no mucho más. Alcanza el 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

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