miércoles, 30 de enero de 2013

Here Comes The Boom de Frank Coraci (2012)

Otra comedia con Kevin James en donde interpreta a un maestro de secundaria medio acabado que decide meterse a pelear Mixed Martial Arts para ganar el dinero necesario para ayudar a un compañero de trabajo y amigo. Empieza lenta y sin demasiada cosa, la verdad, pero desde que se involucra el anormal Baas Rutten en la cuestión, la película levanta como locos. La escena del hombro dislocado con Salma Hayek le permite alcanzar apenitas el 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 1

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 3.00

Taken 2 de Olivier Megaton (2012)


Esta saga pareciera que va encarándose hacia el lado de las Die Hard y por ahí. Retomando lo sucedido en la primera parte, ahora son los parientes de quienes Neeson ejecutó en la original quienes deciden tomar venganza. Ambientada en Estambul, cuenta con buenos secundarios de Maggie Grace y Famke Janssen y acción al por mayor. Entretenido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 1

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

Take Shelter de Jeff Nichols (2011)


Michael Shannon es un marido y padre de familia que trabaja en construcción. Un buen día comienza a sufrir unas extrañas pesadillas, las cuales se agudizan y a veces parecieran interferir con la realidad. Preocupado por sus propios antecedentes familiares, empieza a hacerse tratar médicamente, pero al mismo tiempo, algo le dice que debe construir un refugio para tormentas que es lo único que salvará a su familia. En clave de thriller con sólido apoyo de Jessica Chastain se narra una historia que tiene momentos bien logrados y secuencias perturbadoras. Alcanza el 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Indecent Proposal de Adrian Lyne (1993)


Basada en la novela de Jack Engelhard se nos cuenta la historia de una pareja enamorada, Demi Moore y Woody Harrelson, quienes están atravesando por complicados momentos financieros. Entra en escena Robert Redford, un multimillonario que decide poner a prueba los valores de la pareja, ofreciéndoles 1 millón de dólares por pasar una noche con Demi. Una porquería que premisa, que exalta la máxima de que todo se puede comprar en la vida y que incluso la gente tiene un precio. El personaje de Demi está perpetrado como una verdadera malnacida, el de Harrelson como un inmoral e indecente y el de Redford como un malparido capaz de joderle la vida a cualquiera simplemente porque puede hacerlo. Como película tampoco es la gran cosa. 2 puntos. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 2

martes, 29 de enero de 2013

Flight de Robert Zemeckis (2012)

Decía Cecil B. DeMille “las películas deben comenzar como un terremoto e ir creciendo en acción” y la primera impresión que da El Vuelo es que nos encontramos con un ejemplo de esto, seguido a pies juntillas. La película comienza con uno de los accidentes aéreos mejor filmados que le ha tocado a ver a quien suscribe. El accidente y su resolución están espectacularmente resueltos de manera cinematográfica por Zemeckis en una escena que literalmente quita el aliento, emociona y conmueve.  Tan sólo esta escena muestra cuán en forma se encuentra el director, quien vuelve a dirigir acción real luego de 12 años (desde Náufrago) abocado a la dirección de olvidables animaciones en capture motion (El Expreso Polar, Beowulf, Cuento de Navidad).
Pero de allí en adelante, no se sigue el presupuesto DeMille, sino que en cambio se baja tres cambios la velocidad y entramos de lleno en un drama intimista, dónde todo gira sobre el personaje interpretado por Washington: el piloto Whip Whitaker, héroe responsable de que lo que era la muerte segura de sus 102 pasajeros terminara por ser una tragedia con suerte. El problema es que Whitaker no es sólo un piloto sin igual, sino que también es un alcohólico y un drogadicto. Y aunque nosotros, los espectadores, sabemos desde un principio que no fue culpable del accidente, la búsqueda de un responsable del siniestro lo pone rápidamente en la mira.
Uno desde el comienzo está del lado de Whitaker, por mucho que su adicción es mostrada sin tapujos. Es difícil no hinchar por el héroe y el hombre es uno. Hay algo que despierta profunda admiración en aquellos profesionales capaces de salvar escollos imposibles a la hora más adversa. Basta con ver la reacción mediática sobre el piloto Chesley “Sully” Sullenberg cuando hace un tiempo salvó la vida de sus 155 pasajeros amarizando su avión inutilizado en el río Hudson. El piloto sangre fría y extremadamente capaz es claramente el héroe de la función.
Pero si bien su heroísmo no es puesto nunca en duda, la cuestión sobre la responsabilidad  sí es puesta inmediatamente en tela de juicio en el caso de Whitaker. Así cómo es cierto que fue un héroe, también es cierto que es un borracho y un drogadicto. ¿Entonces? Pues ese tira y afloje entre responsabilidad y redención es lo que da cuerpo a la película.

Y semejante drama intimista, que dura sus buenos 138 minutos (a los que habría convenido un corte de no menos de 20), sólo se sostiene por la poderosa actuación de Denzel Washington, el que lleva por si sólo el peso de la película sobre sus espaldas. Tiene momentos verdaderamente emotivos en su rol, que justamente le granjearon la mentada nominación al Oscar. Ya que lo gane, es otro cantar. Este año hay varios favoritos al premio (Daniel Day Lewis por Lincoln el primero) y si bien la Academia ha sido generosa con los borrachos en el cine (Ray Milland lo ganó en 1945 por The Lost Weekend, de Billy Wilder) no es tampoco una apuesta segura (Jack Lemmon y Lee Remick se quedaron sólo con la nominación por Días de Vino y Rosas, de Blake Edwards en 1962).

El buen protagónico de Washington y un solvente elenco (que incluye gente como John Goodman, Don Cheadle, Melissa Leo, Bruce Greenwood y a la ascendente Kelly Reilly como el interés sentimental del protagonista) no disimula tampoco que el resultado de la reflexión responsabilidad + redención termine por caer solapadamente en la moralina y que las continuas (y en definitiva ambiguas) referencias a Dios marquen al fin y al cabo groseramente la cancha. Probablemente, escaparse de los canales habituales y de la clásica moraleja hollywoodense, hubiera sido apostar demasiado alto. 3. Por Fito.

Puntajes:

Federico: 3

Fito: 3

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 3.33

lunes, 28 de enero de 2013

Django Unchained de Quentin Tarantino (2012)

Si bien Django Unchained referencia visiblemente al western –y más específicamente al espagueti western, desde su título homenaje a uno de sus exponentes más reconocidos “Django” dirigida por Sergio Corbucci- es antes que nada una película muy Tarantino. Muy Tarantino, sin embargo, tomando como especial referente el ejemplo inmediatamente anterior que es Bastardos Sin Gloria.
Aquí nos encontramos una vez más con una historia que coquetea con la épica, que habla de una venganza (ítem que se encuentra, más allá o más acá, en toda la filmografía del director), que desarrolla una aventura con componentes históricos (sin versionar la historia, eso sí, como sí lo hacía en Bastardos), nuevamente extensa con sus casi tres horas, nuevamente muy efectiva.
Es la historia de Django (muy correcto Jamie Foxx) un esclavo que es liberado por un caza recompensas llamado Dr. King Schultz (Christoph Waltz en un personaje que referencia fuertemente a su Hans Landa de Bastardos sin Gloria, tan verborrágico y encantador como aquel pero en esta ocasión, del lado de los “buenos”) para que lo ayude en su tarea de encontrar a tres hombres buscados por la justicia. Django los conoce- de hecho, son bastante fundamentales en su tragedia personal- y, a cambio de ayudar a Schultz a encontrarlos, obtendrá su libertad. Es más, el caza recompensas alemán no tardará luego en ofrecerse a acompañar a Django en la historia que da cuerpo al fin y al cabo a la película: recuperar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington, no cumpliendo más funciones que la de damisela en apuros en todo el filme) de manos del malvado esclavista Calvin Candie (un inmenso Leonardo DiCaprio).
La película entonces, se divide claramente en tres bloques perfectamente diferenciados entre sí. Por un lado, tenemos la historia inicial, que casi puede enmarcarse en el subgénero de la “buddy movie” (esto es, dos personajes masculinos diferentes entre sí que se amigan por su objetivo en común) mientras acompañamos a Django y a Schultz en su búsqueda de los tres primeros objetivos. El segundo bloque comprende desde que- ahora ya con Django en calidad de socio cuasi igualitario de Schultz- emprenden la búsqueda de Broomhilda y terminan por enfrentarse con Candie. Y por último -y este tercer bloque es llamativo porque en cierta medida desarma el esquema de cine clásico: inicio, desarrollo, desenlace- lo que ocurre después de que enfrenten a Candie.
Y si hay algo que criticar a Tarantino es la duración de la película. Al contrario de Bastardos sin Gloria, dónde todo cerraba perfectamente y el clímax final era demoledor, aquí en Django se siente extraña esa media hora final, ese tercer bloque, esa extensión en la venganza de Django, cuando el clímax –entendido este como pico máximo de la tensión narrativa del argumento- se había alcanzado al final del bloque anterior.  Pero Tarantino sale airoso de ese desconcierto que genera. Se lo sacude como modorra y pronto pone al espectador nuevamente en sintonía (sintonía que a veces destruye por completo cuando abusa de un humor pavo- el caballo bailando- algo que por fortuna hace escasísimas veces). Y si bien la inclusión de dicho tercer bloque le impide alcanzar una película tan redonda como fue Bastardos sin Gloria, no arruina para nada el conjunto.
Se podría agregar que sus personajes son bastante maníqueistas: los negros buenos (con la excepción del esclavo interpretado genialmente por Samuel L. Jackson que es un esclavo esclavista) contra los blancos malos (dónde la excepción es Schultz, que para más inri es europeo, culto y despegado por quilómetros de todos los demás de su etnia), pero tal cosa no molesta. Tarantino no está buscando desarrollar un documental sobre el esclavismo y las condiciones de vida de los Estados Unidos de mediados del siglo XIX.
Lo que Tarantino está buscando es desarrollar una furiosa historia de venganza, un entretenido western sangriento, dónde los malos son bien malos y reciben su encarnizado merecido. Dónde la violencia es festiva y cada estallido de sangre es festejado con admiración. Busca invitar al espectador a dar un paseo de tres horas por su universo personal, con sus obsesiones y diversiones de siempre, un paseo inolvidable a ritmo de western y de una increíble banda sonora. 4. Por Fito.

Puntajes:

Federico: 4

Fito: 4

Gastón:

Leo: 2

Martín: 5

Rodrigo: 2

Promedio Tripartito: 3.40

jueves, 17 de enero de 2013

Hyde Park On Hudson de Roger Michell (2012)


Recreación histórica sobre la relación entre el Presidente Franklin Delano Roosevelt y una prima distante, Margaret "Daisy" Suckley. La locación temporal tiene que ver con el período pos Gran Depresión, alrededor del año 1939 y en particular con el fin de semana en que el Rey Jorge y la Reina Elizabeth (a quienes perpetran como dos tarados) visitaron por primera vez Estados Unidos. Buena recreación de época, preciosa banda sonora, gran fotografía, y buenas actuaciones de Bill Murray haciendo de FDR, de Laura Linney, Elizabeth Marvel y de Olivia Colman como la esposa de FDR, Eleanor. Sólido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 1

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

Silver Linings Playbook de David O. Russell (2012)


Esta es una tragicomedia que de alguna manera retorcida proporciona una parte del espectro sobre por qué los Norteamericanos tienen los problemas que tienen con las armas y con los desquiciados que salen a escuelas, cines, parques y otros muchos lugares a asesinar gente inocente; al igual que con el consumo desproporcionado de todo tipo de barbitúricos, pastillas y calmantes. Un profesor de escuela sufre un violento colapso cuando un día llega temprano a su casa y encuentra a su esposa con otro hombre en la ducha. De ese puntapié, se presenta una gama de personajes a cual de todos más inestables y obsesivos, en un ambiente de barrio en Filadelfia que puede ser cualquier barrio de cualquier ciudad en Estados Unidos. Está bien filmada, tiene un buen sentido del humor, bravo a los dos protagónicos que sorprenden positivamente, Bradley Cooper y Jennifer Lawrence que se repone del tropezón en The Hunger Games y buenos secundarios de De Niro, de John Ortiz y de Chris Tucker. La conclusión es que definitivamente en USA están mal de la cabeza y es para preocuparse, y durante el proceso, se cuenta lo que termina siendo una historia romántica, así que no se sorprendan si tiene el final típico. Buen 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 3

Fito: 4

Gastón: 3

Leo: 3

Martín:

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 3.40

Too Big To Fail de Curtis Hanson (2011)


Cuenta la debacle económica del 2008 en Estados Unidos y el desastre con la burbuja hipotecaria, centrándose primordialmente en el Secretario del Tesoro, Henry Paulson. Aunque asumo que ha de tener más de un toque de ficción, tiene mucho de realidad y hasta puede funcionar como documental. Muy bien John Hurt liderando un sólido reparto que incluye a James Woods, John Heard, Topher Grace, Cynthia Nixon, Paul Giamatti, Erin Dilly y Amy Carlson. Sólido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

The Ledge de Matthew Chapman (2011)


Un hombre se para en la cornisa de un edificio. Un negociador llega en malas condiciones emocionales a entender por qué está ahí y a convencerlo de que baje. De esa premisa se desata un interesante drama con ribetes de thriller y discusiones filosóficas sobre religión y cristianismo. Buena historia, con buenas actuaciones de Charlie Hunnam, Terrence Howard, un muy interesante Patrick Wilson y de la siempre hermosísima Liv Tyler. Sólido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

The Words de Brian Klugman & Lee Sternthal (2012)


En clave de drama se cuenta una historia, dentro de otra historia, dentro de una tercera historia. Dennis Quaid es un escritor que relata sobre una novela que él escribió sobre otro escritor joven, interpretado por Bradley Cooper, quien a su vez encuentra un pasado con un tercer escritor anónimo y jamás publicado, interpretado por un enorme Jeremy Irons. Plantea un interesante juego de moral y catarsis, dejando por punto más alto un cierre en donde al espectador se nos plantean las alternativas del punto de inflexión entre ficción y realidad, pero la conclusión queda en manos de cada quien. Buen 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 1

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

lunes, 14 de enero de 2013

Killing Them Softly de Andrew Dominik (2012)

Dos delincuentes de bajísima estofa (Scott McNairy y Ben Mendelsohn) asaltan una partida de póker vigilada por la mafia y eso pone en movimiento a un asesino a sueldo (Brad Pitt) que buscará encontrar- y eliminar- a los perpetradores. El relato involucra además a distintos miembros de la mafia de esta ciudad (la película está filmada en Nueva Orleans, pero en la película el lugar se vuelve anónimo, irreconocible bajo la continua cortina de lluvia) quienes en definitiva son presentados no cómo criminales crueles o malvados, sino como personas grises, relativamente normales, casi como cansados oficinistas que van desganados a cumplir con sus 8 horas.
La tercera película del director Andrew Dominik causaba varias expectativas. Primero que nada, porque sus dos películas anteriores- “Chopper” y “El Asesinato…”- son sólidos ejemplos de buen cine. Y segundo, porque para la ocasión adaptaba- ya que el propio Dominik oficia también como guionista- la novela “Cogan´s Trade” de George V. Higgins, el autor de “Los Amigos de Eddie Coyle”, novela adaptaba en 1973 por el mítico Peter Yates en película del mismo título- con un inolvidable Robert Mitchum en el protagónico- y que constituye un verdadero clásico imprescindible del cine negro de los setenta.
Y Dominik respeta eso, el tono y la época en que la novela está ambientada, y aunque esta historia se desarrolla en la actualidad, el clima, el ambiente- la manera misma en que está filmada- remite inevitablemente a los setenta. Los autos, la ropa, el mismo granulado de la película, todo evoca la década dorada del cine estadounidense. Y la relación con “Los amigos de Eddie Coyle” va más allá: como en aquella, está es una historia de criminales patéticos, marginales, grises, anónimos. Un mundo dónde las mujeres no aparecen casi- limitadas en este caso a un único personaje: una prostituta con menos de 5 minutos de presencia en cámara- y dónde la historia que estos personajes protagonizan es pequeñísima, menor.
La obra de Higgins en manos de Yates relucía. En manos de Dominik, lamentablemente no. El relato se torna demasiado pausado, discursivo (los personajes hablan y hablan y hablan) y en definitiva confuso (las continuas referencias a la recesión económica- presentes en cuanta TV o radio figura en la película- ¿Qué pretenden? ¿Trazar una relación con lo que se cuenta en la película? ¿O qué?), dónde pareciera que se busca llenar metraje- en un filme de 97 minutos- con diálogos a lo Tarantino o Guy Ritchie, en boca de un estupendo elenco- Pitt, McNairy, Mendelsohn, pero además Richard Jenkins, Ray Liotta, Sam Shepard y James Gandolfini, este último en un personaje completamente inútil y que sólo logra entorpecer más aún el sencillo relato- con un aire de comedia muy negra, pero que nunca termina por convencerse de que tiene humor o en definitiva, que tiene un relato qué contar. Hay momentos filmados con brío, en especial las ejecuciones que realiza el personaje de Brad Pitt o una soberana paliza que se lleva en un momento Ray Liotta, pero son instantes apenas dentro de la chatura general.
El resultado final es regular entonces, como el de un comediante que comienza con entusiasmo pero que pierde fuelle a medida que cuenta su chiste y estira el remate, porque sabe que en el fondo, no es muy gracioso. 2. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 2

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

Cloud Atlas de Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski (2012)

Tom Hanks interpreta a un curioso doctor en algún lado del Pacífico en 1849. No, en realidad es el portero de un hotel en 1936. Pero en verdad, es uno de los últimos hombres luego de un cataclismo apocalíptico. Más curioso es el caso de Hugh Grant que pasa de ser un empresario con aires de chanta en los setenta a ser un guerrero caníbal, con aspecto celta, en ese futuro post apocalíptico corriendo a Hanks. ¿Y Halle Berry? Más raro aún, ya que orbita de esclava en 1849, a mujer judía (rubia y de ojos azules para más inri) en 1936, para ser periodista liberal en los 70'. ¿Confundidos?
Cloud Atlas arranca con un bombardeo de escenas y secuencias, dónde las épocas y las historias se van entremezclando y pobre del espectador que no esté atento. Está muy bien. Es hora de que alguien no subestime al espectador y piense que es una cuasi ameba a la que hay que darle todo digerido. Sin embargo, a la hora de ordenar esta reseña no queda más remedio sino recapitular un poco y explicar, aunque prometo no incurrir en el pecado de los spoilers.
Tenemos un abogado (Jim Sturgess) que regresa a su hogar en barco en 1849. El diario de viaje de dicho abogado, es leído por un joven compositor (Ben Whishaw) en 1936, quien espera crear su obra maestra. Las cartas que este compositor enviara a su amante caen en manos de una periodista (Halle Berry) quien investiga una turbia planta nuclear en 1973. La novela escrita sobre esta periodista es el material de lectura de un editor (Jim Broadbent) quien en 2012 escapa de unos mafiosos. La película sobre la vida de este editor es vista por una suerte de clon (Doona Bae) en Nuevo Seúl en el 2144. Y esta misma clon es reverenciada cual diosa por la tribu que integra Tom Hanks, 106 inviernos luego de "La Caída", una suerte de apocalipsis.
Los hermanos Wachowski y el alemán Tom Tykwer regresan con todo a la hora de adaptar la compleja novela de David Mitchell. Una novela considerada inadaptable por su estructura, sus saltos, su trama, por contener no menos de seis géneros literarios (aventura, drama, thriller, comedia, ciencia ficción distópica, ciencia ficción post apocalíptica). Y salen bien librados de la experiencia.
Tiene sus detalles, como no. El más notorio, el uso de maquillajes y apliques que por momentos es impecable y por otros parece cotillón mal habido en una fiesta de cumpleaños de 15. La apuesta de que los actores interpreten cambios de etnia no sale casi nunca bien (cuanto caucásico hace de coreano rechina muchísimo, por ejemplo). Mejor librado salen los cambios de sexo, que hay ocasiones dónde quedan irreconocibles. Por otro lado, la idea de que todos somos almas conectadas que a lo largo del tiempo nos vamos repitiendo y nuestros actos nos encaminan con el paso de las eras, queda desdibujada, confusa, con el mismo peso que si se tratara de una charla de New Age dada en un copetín. Probablemente en la novela, con más desarrollo, estas ideas fueran más contundentes, pero aquí no tienen peso real. Los directores parecen saberlo ya que, más allá de algunas frases cursis, no le prestan tampoco verdadera atención a esos conceptos.
A lo que sí prestan atención es al elenco (que brillan todos, no sólo los protagónicos mencionados -entre los que destaca por varios cuerpos Broadbent- sino en el nutrido elenco secundario: Hugo Weaving, Keith David, James D´Arcy, Susan Sarandon, Hugh Grant) y a la construcción de seis historias con su inicio, desarrollo y clímax final contadas al mismo tiempo.
Una verdadera experiencia cinematográfica en sus tres horas de duración. 4. Por Fito.

Puntajes:

Federico: 2

Fito: 4

Gastón: 3

Martín: 3

Rodrigo: 4

Promedio Tripartito: 3.60

Sons Of Anarchy de Kurt Sutter (Season 5) (2012)

Dos de los personajes protagonistas de esta temporada están en un cementerio. Han llevado las cenizas de una pariente muerta. “Te hace pensar en la vida ¿No es cierto?” Al final, sólo queda esto” dice uno de los personajes con la caja de cenizas en la mano. “Sí” contesta el otro “llegamos llorando y nos vamos en un Tupperware”. Esta es sólo una de las perlitas de Kurt Sutter, creador y prácticamente único guionista de Sons of Anarchy que llega ya a su quinta temporada (y que repite presencia en esta lista). Sutter se reserva además un rol destacado dentro del elenco- Otto Delaney, uno de los fundadores del Club de motoqueros, traficantes de armas y jodidos criminales- que aparece y desaparece en la historia.
Ese es el principal mérito de Sons of Anarchy: su compleja trama. No hay ocasión dónde se presente una posible subhistoria que luego no sea retomada. Pareciera que Sutter es un maestro de la estructura y que si deja un vaso de agua medio lleno sobre una mesa, lejos está esto de ser un error, el vaso es imprescindible y será usado después (incluso varios capítulos después).
Esta perfecta estructura del guión se complementa con un elenco a toda prueba. Charlie Hunnam, Ron Perlman, Katey Segal, todos, viven los personajes que les toca interpretar. Junto al elenco habitual, esta temporada sumó a Jimmy Smits en un secundario de lujo.
Uno de los mayores éxitos de FX, Sons of Anarchy ya confirmó su sexta temporada. Sólido 4. Por Fito.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo:

jueves, 10 de enero de 2013

Elefante Blanco de Pablo Trapero (2012)

Cuenta la historia de dos curas, Julián y Nicolás, éste último de origen Belga llega a Bs. As. tras sobrevivir a unos problemas en el Amazonas (y lo pongo así porque la película nunca llega a explicar bien). El padre Julián (Darín) lo va a buscar a la selva brasilera y lo trae a trabajar con el en una villa de Buenos Aires y empieza a desarrollarse la historia. Trapero vuelva a repetir la dupla de Darín y Gusman utiliza en Carancho (a mi gusto, dupla fallida) y le suma a Jérémie Renier como el padre Nicolás. Mal guionada esta película se torna entreverada y extraña, le falta un hilo conducto claro lo que hace que uno al verla encuentre que la mayor parte está sacando conclusiones propias de por qué pasan las cosas ya que no se explican. Escenas sin sentido, diálogos absurdos y desordenada, lamentablemente ésta vez no la salva ni Darín el cual debe empezar a mi parecer a elegir calidad y no cantidad en materia de películas. Un 1. Por Federico.

Puntajes:

Federico: 1

Fito:

Gastón:

Martín: 2

Rodrigo:

viernes, 4 de enero de 2013

Wit de Mike Nichols (2001)

Emma Thompson se pone en la piel de una reconocida profesora de literatura inglesa a quien se le acaba de diagnosticar un cáncer complicadísimo. Inmediatamente se iniciará un tratamiento experimental que parece ser peor que la enfermedad. El periplo que emprenderá para dejar este mundo es lo que muestra la película. Nuestra heroína trágica se apoya todo lo que puede en conversaciones consigo misma, un médico practicante, quien fuera alumno suyo, una enfermera con cierta empatía y los poemas de John Donne. La lección de su tutora, durante un flashback, acerca de la puntuación original de uno de los poemas, paga la entrada; aunque no hubo entrada porque salió directamente a video. Creo que no hay necesidad de aclarar que es durísima. Un 4. Por Gastón.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón: 4

Martín:

Rodrigo: 

Das Experiment de Oliver Hirschbiegel (2001)

El experimento del titulo se trata de encerrar durante 14 días a un grupo de hombres adultos a los cuales, luego de ciertas pruebas, se los clasifica como carceleros o presos. La misión de los carceleros es que se obedezcan ciertas normas, para ello no deben usar violencia. Como podrán imaginar, todo se complicará a los pocos días, basta ver los tipos de personas que se alistaron y a quienes eligieron para cada rol para adivinar como se desarrollará la cosa. Tiene interés el asunto y parece que existió tal experimento que se llamó "Stanford Prision Experiment". Como que al final se me cayó del 4, pero vale lo suyo. Un 3. Por Gastón.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón: 3

Martín:

Rodrigo:

Two Weeks Notice de Marc Lawrence (2002)

Otra comedia romántica de la mano de Lawrence con Sandra Bullock y Hugh Grant. Es increíble como Gran ha hecho una carrera básicamente de hacer el mismo rol una y otra vez, con alguna mínima excepción. La película es la misma que ya vimos millones de veces, alcanza a entretener con alguna broma simpática y gracias a que la pareja protagónica tiene química. Apenas 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 2

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

Coach Carter de Thomas Carter (2005)

Drama deportivo basado en hechos reales sobre el entrenador Ken Carter, quien en 1999 aceptó el trabajo como entrenador de basquetbol en una secundaria de la zona de Richmond, California. Más que el tema de la competencia y la victoria, lo que se resalta es el compromiso de este señor por exigir excelencia deportiva y académica a partes iguales, llevando el comportamiento de su equipo a extremos nunca antes vistos. Buen 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 3

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 3

Jack And Jill de Dennis Dugan (2011)

Una comedia con Adam Sandler de las varias que ya ha filmado el actor con el director Dugan, en este caso planteando que Sandler realice dos roles protagónicos, Jack y el de su hermana gemela Jill. Simplemente espantoso. 1 de aquellos. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 1

Shrek 2 de Andrew Adamson, Kelly Asbury & Conrad Vernon (2004)

Secuela de la muy exitosa película animada del mismo título (sin el 2) con las voces de Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Díaz, Julie Andrews, Antonio Banderas, John Cleese y Rupert Everett. Los padres de Fiona, el Rey y Reina de la Tierra Muy Muy Lejana, invitan a una cena de gala para celebrar el matrimonio de Fiona y Shrek, pero ni imaginan la sorpresa que les espera. Simpática película animada para niños y adultos, con buenos números musicales y buen sentido del humor. Sólido 3. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 4

Fito: 4

Gastón: 3

Martín: 3

Rodrigo: 3

Promedio Tripartito: 3.40

Michael Jackson: The Immortal World Tour de Adrian Wills (2012)

Documental sobre la gira que el maravilloso Cirque Du Soleil puso en marcha remembrando y homenajeando al grandioso King Of Pop, la leyenda Michael Jackson. La banda sonora es fantástica, los actos de otro planeta, y como todo lo del Cirque, tiene esa carga de emotividad que lo transporta todo a otro nivel. 4 puntos. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Lo Imposible de Juan Antonio Bayona (2012)

Naomi Watts, después de lo que hizo en King Kong, que para mí fue deslumbrante, está del otro lado. Le podrá errar pero en general anda clarita y es sólida. Ewan McGregor, igual, suele alcanzar. Hay tres jovencitos que son una maravilla, Tom Holland, Samuel Joslin y Oaklee Pendergast, lo que me lleva a concluir que hay un tremendo casting. Segundo, Bayona impresiona en las secuencias de acción, y es sensible cuando necesita serlo, además edita con mucho acierto, hay una estupenda banda sonora y fotografía muy pero muy bien. La historia?, un drama de padre y señor nuestro de una familia que vivió en primera fila el brutal Tsunami que azotó a Tailandia en el 2004. La historia es basada en hechos reales, el título del film está más que claro, así que desde ya les digo que no acepto que me vengan con "coincidencias en el guión" o "facilismos en la resolución" porque lo que se cuenta es lo que sucedió, hay que creer o reventar, y la única manera de explicarlo es como uno de esos extraños milagros modernos. Sólido 4 y atentos con Bayona. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Life Of Pi de Ang Lee (2012)

Pareciera que a Lee cuando le dan libertad de acción, se despacha con buenos trabajos. Life Of Pi es una aventura épica que narra el viaje de un niño Hindú hacia la madurez, desde un ángulo bastante religioso y espiritual. Se cuentan dos historias superpuestas, pero la segunda únicamente se descubre al final, y si bien por la mitad pierde algo de ritmo, tiene un cierre poderoso y bien logrado. Una película con una fotografía estupenda, el protagónico de Suraj Sharma está muy bien al igual que Adil Hussain, buena banda sonora y simbolismos por doquier que la enriquecen. Alcanza el 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 3

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Este Es El Romance Del Aniceto Y La Francisca, De Cómo Quedó Trunco, Comenzó La Tristeza Y Unas Pocas Cosas Más de Leonardo Favio (1967)

Historia de amor en pueblo chico (algún lugar perdido de Mendoza, Argentina) con un gallero o dueño de gallos de riña -Federico Luppi, colosal- y su vinculación con dos mujeres: una virgen y una puta. Favio compone, en poco más de una hora, una fábula sin moraleja, sin lugares comunes, sin concesiones  al tiempo que le da una vuelta muy personal al esquema del triángulo amoroso. Un 5. Por Martín.

Puntajes:

Federico:

Fito:

Gastón:

Martín: 5

Rodrigo:

Kon-Tiki de Joachim Rønning & Espen Sandberg (2012)

Nominada al Oscar como Película Extranjera y basado en el documental ganador del premio en 1950, realizado por el explorador Noruego Thor Heyerdahl, se cuenta en clave un poco más de aventura y un poco más de ficción, obviamente, el viaje que un grupo de 4 Noruegos y un Sueco emprendieron desde las costas de Ecuador a fines de la década del 40, en una balsa hacia la Polinesia, para probar la teoría de que los nativos Americanos pudieron ser los primeros pobladores de las islas del Pacífico. La historia está contada en clave mucho menos épica y dramática que si fuera Hollywood y funciona como buen entretenimiento, sin llegar a ser espectacular. Gran fotografía. Alcanza el 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 4

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

¡Atraco! de Eduard Cortés (2012)

Cine Argentino del mejor. Ambientada después de la caída del General Perón, refugiado en Panamá y buscando asilo en la España del Generalísimo Franco, las cosas están difíciles. El séquito de Perón ha decidido empeñar las joyas de Evita Perón para afrontar gastos de traslado y reubicación en España. Un ambiente muy noir bien planteado, estupenda banda sonora, buena recreación de época y puesta en escena, sólidas actuaciones nuevamente de Guillermo Francella, acompañado por un bárbaro Nicolás Cabré y el interminable Daniel Fanego. También un sólido secundario de Amaia Salamanca redondean un sólido trabajo que vale la pena de principio a fin, además los toques de humor típicamente Argentinos valen oro. 4 puntos. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 3

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

Shall We Dance? de Peter Chelsom (2004)

La volví a ver y me impresionó mucho más que la primera vez que la vi. Es una estupenda comedia, que si bien repite algunos esquemas clásicos, tiene puntas que la separan del resto. Las escenas de baile están muy bien, tiene una banda sonora realmente estupenda, muy buenas líneas de diálogo y momentos realmente graciosos, buenas actuaciones de Richard Gere, de Lisa Ann Walter, un secundario bárbaro de Stanley Tucci y Jennifer Lopez, que tiene un culo fuera de esta galaxia pero además, en general encara, tiene gracia para la comedia, no es una negada, y hay que sacarse el sombrero que la señora sabe bailar. Un abogado aburrido de su vida, descubre una nueva pasión por el baile y en el camino encuentra un simpático grupo de nuevos amigos. Sólido 4. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico: 3.5

Fito:

Gastón:

Martín:

Rodrigo: 4

American Psycho de Mary Harron (2000)

Otra revisión que en este caso pierde pisada con el repaso. Película basada en la novela de Bret Easton Ellis sobre un inversionista adinerado, un yuppie con tendencias psicóticas que progresivamente va degenerando en un desquiciado de cuidado. Christian Bale en el protagónico, con apoyo de Justin Theroux, Josh Lucas, Jared Leto, Willem Dafoe y Reese Witherspoon, y el problema que yo le encontré ahora es que está todo demasiado pasado de rosca, demasiado exagerado y realmente mucho de lo planteado termina resultando gratuito. Me alcanza a un 3 de todos modos. Por Rodrigo.

Puntajes:

Federico:

Fito: 2

Gastón: 4

Martín: 1

Rodrigo: 3

Promedio Tripartito: 2.50

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